residencies

Περιγραφή του πρότζεκτ: 
Διαβάζοντας ένα αγαπημένο βιβλίο, από ένα κόμικ έως ένα λογοτεχνικό έργο, υπάρχει κάτι που μας συγκινεί και που μας δίνει την αίσθηση ότι «κάτι μας λέει». Πώς η αίσθηση αυτών που «κρατούν» οι λέξεις γίνεται χορός; Το συγκεκριμένο πρότζεκτ εξερευνά το πώς γεννιέται ο χορός μέσα από την εσωτερική κίνηση που μας προκαλούν τα κείμενα που διαβάζουμε.
Αντλώντας υλικό από κείμενα που με κινητοποιούν όπως: θεατρικά έργα, ποιήματα, επιστολές κλπ., θα καταγράψω λέξεις, φράσεις, καταστάσεις και συνθήκες που αναδύονται στο κάθε επιλεγμένο κείμενο. Μέσω της ανάλυσης, της πρακτικής και της έρευνας, τα στοιχεία αυτά θα φιλτραριστούν σε διάφορους, καταγεγραμμένους χορευτικούς χάρτες. Φαντάζομαι ένα σόλο όπου μια χορεύτρια, περνώντας από τον έναν χορευτικό κοσμοχάρτη στον άλλον, δημιουργεί αισθήσεις διαφορετικών καταστάσεων και συνθέτει μια πραγματικότητα, η οποία συνεχώς αλλάζει και μεταμορφώνεται, δημιουργώντας ένα ταξίδι προσωπικοτήτων, χώρων, χρόνων, οπτικών, προθέσεων και επιθυμιών.
Η ιδέα πυροδοτείται από την περιέργεια του πώς γεννιέται και του πώς νοηματοδοτείται ο χορός.

Ανοιχτή παρουσίαση
Σάββατο 31 Μαΐου 2025
21:00, Ελεύθερη Είσοδος

Εργαστήριο αυτοσχεδιασμού: Αντλώντας έμπνευση και στοιχεία από τα αγαπημένα μας βιβλία
Κυριακή 01 Ιουνίου 2025, 11:30 – 14:00
Ελεύθερη Συμμετοχή

Δήμητρα Μερτζάνη

Η Δήμητρα Μερτζάνη είναι απόφοιτος της Κρατικής Σχολής Ορχηστικής Τέχνης, υπότροφος του ICD-International Contemporary Dance Programme στο Τορίνο και τελειόφοιτη φοιτήτρια στο Τμήμα Θεατρικών Σπουδών του πανεπιστημίου Αθηνών. Εργάζεται ως επαγγελματίας χορεύτρια, βοηθός χορογράφου, κινησιολόγος σε θεατρικές παραστάσεις ενώ παράλληλα διδάσκει σύγχρονο χορό και αυτοσχεδιασμό. Έχει συνεργαστεί μεταξύ άλλων με χορογράφους όπως οι Τζένη Αργυρίου (Hotspot, Phrasis, Praxis, Συναντήσεις, Synthesis, Anonymo), Χρήστος Παπαδόπουλος (Ion, Opus), Kitt Johnson (Synthesis), Rootlessroot: Λίντα Καπετανέα και Josef Frucek (Stones and bones), Ερμίρα Γκόρο (Thirst, You, Dandelion), Hannes Langolf (Dandelion), Άρια Μπουμπάκη (I’m too sad to, Running Dry), Kat Valastur-Leon Eixenberger (Ajativada-black rain), Κατερίνα Δελακούρα (Re-volver), Κυριακή Νασιούλα και Αργύρης Αγγελή (Loom), Πατρίσια Απέργη (Cementary), Μίνα Ανανιάδου-Guest Project (Lakes,4 episodes and the Sunset), Χρήστος Ξυραφάκης-Άντυ Τζούμα (Exhibition at Palais de Tokyo) και Hellenic Dance Company (Open frontiers) δίνοντας παραστάσεις σε φεστιβάλ χορού στην Ελλάδα και το εξωτερικό. Έχει διδάξει τακτικά στην Επαγγελματική Σχολή Χορού Ακτίνα (2021,2022), σε διάφορα ανοιχτά στούντιο με την μορφή σεμιναρίων και έχει ολοκληρώσει την πρακτική της άσκηση σε σχολεία της Αθήνας πάνω στη θεατρική αγωγή. Από τον Δεκέμβριο του 2024 εργάζεται για το Διεθνές Φεστιβάλ Χορού Καλαμάτας ως συνεργάτιδα και βοηθός της καλλιτεχνικής διευθύντριας, Τζένης Αργυρίου.

Περιγραφή του πρότζεκτ: 
Πρόκειται για ένα καλλιτεχνικό πρότζεκτ που επιχειρεί να ενεργοποιήσει θραύσματα μνήμης από συλλογικές τελετουργίες, εστιάζοντας σε τελετουργίες κοινοτήτων που προσπαθούν να μην ενσωματωθουν στη μαζική και εμπορική κουλτούρα. Ιδιαίτερη έμφαση δίνεται στην ελληνική πανκ υποκουλτούρα και στα Αναστενάρια. Το ενδιαφέρον για τις συλλογικές τελετουργίες του περιθωρίου ξεκινά από την παρατήρηση ότι το κοινό εκστατικό αίσθημα και ο συντονισμός των σωμάτων μοιάζει σαν μια κοινοτική πρακτική αγάπης, καθώς υπάρχει μια «αποσιωποίηση» του ατομικού εγώ.
Θα διερευνηθούν τα όρια και οι δυνατότητες της σκηνικής ερμηνείας τέτοιων τελετουργιών, χωρίς να συμβιβάζεται ο μυσταγωγικός και «underground» χαρακτήρας τους. Σκοπός είναι η δημιουργία μιας κινητικής, χορογραφικής και ηχητικής «εργαλειοθήκης» μέσω της οποίας θα «συνομιλούν» οι εκστατικές τελετουργίες και οι πρακτικές των παραστατικών τεχνών.

Ανοιχτή παρουσίαση από την Στάλη Συμεών (πρόγραμμα Καλλιτεχνικής Κατοικίας 2024)
Σάββατο 07 Δεκεμβρίου 2024
20:30, Ελεύθερη Είσοδος

Εργαστήριο χορού και κινητικής έρευνας με τη Στάλη Συμεών
Κυριακή 08 Δεκεμβρίου 2024, 12:00-14:00
Ελεύθερη Συμμετοχή

Στάλη Συμεών

Η Στάλη Συμεών σπούδασε Πολιτική Επιστήμη στο ΕΚΠΑ και Χορό στην Ανώτερη Επαγγελματική Σχολή Χορού Ακτίνα. Συνέχισε με μεταπτυχιακές σπουδές στον Χορό στο Κονσερβατόριο της Αμβέρσας κάνοντας έρευνα για τις σωματικότητες και τις τελετουργίες του κοινωνικού περιθωρίου. Στο πλαίσιο της μεταπτυχιακής της έρευνας “This Dance Is Not For You” συμμετείχε στο residency 10 days to 10’, στα summer residencies στο P.A.R.T.S. και το DeSingel. Το έργο της Eternally Alive, με αφετηρία την ελληνική πανκ συμμετείχε στο Container Festival στη Θεσσαλονίκη και παρουσιάστηκε στην Αθήνα στο Μ54, και αργότερα μια δεύτερη εκδοχή του έργου Eternally Alive- A2 στο “On Bodies” Festival στη Στέγη Χορού της Λευκωσίας. Από το 2020 συνεργάζεται τους BPM theater group ως χορογράφος (Φεστιβάλ Ρεματιάς, Θέατρο Μαυρομιχάλη, ΠΛΥΦΑ, Θέατρο Νέου Κόσμου, Όλη η Ελλάδα ένας Πολιτισμός).
Τα τελευταία χρόνια έχει συμμετάσχει ως χορεύτρια-περφόρμερ σε δημιουργίες των: La Coja Dansa, Belleville collective, Κική Μπάκα, Βάσω Γιαννακοπούλου, Σάντρα Γρίμμα, Ελισάβετ Πλιακοστάθη, Χαρά Κασσαράκη, Βαρβάρα Μπαρδακά, Ανθή Δρίλια, Κουλουκούρη Σοφία. Διδάσκει χορό και γιόγκα.

Περιγραφή του πρότζεκτ: Range 
Η χρωματική παλέτα των σημερινών συνθετών δεν περιορίζεται πλέον στο κλασικό εύρος των μουσικών οργάνων. Κάθε είδους ήχοι μπορούν να μετατραπούν σε μουσική. Στη μουσική του, ο Έγκιντ Γιοχλ, συχνά δουλεύει με ήχους από το περιβάλλον και τη φύση συνδυάζοντάς τους με παραδοσιακά μουσικά όργανα. Κατά τη διάρκεια της διαμονής του στο Κέντρο Χορού και Παραστατικών Τεχνών Ακροποδητί, θα δημιουργήσει μια ηχητική εγκατάσταση με ηχογραφημένους ήχους και αναφορές από την Ελλάδα, αναμειγμένους με ήχους από τα βουνά της Αυστρίας και κλασικά μουσικά όργανα. Η τελική σύνθεση θα παρουσιαστεί στη λήξη του προγράμματος καλλιτεχνικής κατοικίας (artistic residency) και στη συνέχεια θα ενσωματωθεί σε ένα μουσικοθεατρικό έργο που θα παρουσιαστεί στο Ίνσμπρουκ τον Ιανουάριο του 2025.

Ανοιχτή παρουσίαση: Παρασκευή 18 Οκτωβρίου 2024
21:30, Ελεύθερη Είσοδος
Ανοιχτή παρουσίαση από τον συνθέτη Egid Joechl (πρόγραμμα Καλλιτεχνικής Κατοικίας 2024) και περφόρμανς από τους Δημήτρη Μπαλτά και Κωνσταντίνα Θανασούλη

Master class
Αντηχήσεις: Μια ματιά στους σύγχρονους ήχους μέσα στα ερείπια
Σάββατο 12 Οκτωβρίου, 11:00-12:00
Ελεύθερη Συμμετοχή

Έγκιντ Γιόχλ

Ο Έγκιντ Γιόχλ γεννήθηκε στις 7 Δεκεμβρίου 1982 στο Κίτσμπουελ της Αυστρίας, όπου και μεγάλωσε. Σπούδασε Σύνθεση και Θεωρία της Μουσικής στο Πανεπιστήμιο Τεχνών του Γκρατς (University of Music and Performing Arts Graz), και επιπλέον παρακολούθησε ποικίλα master classes. Συνθέτει έργα για διαφορετικά σύνολα και σε διαφορετικά στυλ με επίκεντρο τη σύγχρονη μουσική και τις ηχητικές εγκαταστάσεις. Το 2018 συμμετείχε στο καλλιτεχνικό πρόγραμμα Artists-in-Residence που πραγματοποιήθηκε στη Λισαβόνα και το 2019 συμμετείχε στο αντίστοιχο πρόγραμμα της Νέας Υόρκης. Το 2020 βραβεύτηκε με υποτροφία Σύνθεσης Hilde Zach από την πόλη του Ίνσμπρουκ, όπου πλέον ζει και εργάζεται.
www.joechl–music.com

Περιγραφή του πρότζεκτ:
Έχοντας ως αφετηρία το αμοιβαίο ενδιαφέρον μας για την παραδοσιακή μουσική και τους χορούς ανά τον ελλαδικό χώρο -ως μουσικός και ως χορεύτρια– διερωτόμαστε με ποιους τρόπους μπορούμε να συνδημιουργήσουμε επηρεασμένοι από αυτά.
Θέτοντας ως βάση συγκεκριμένους βηματισμούς, με διαφορετικά χαρακτηριστικά, μέτρα, ρυθμούς, καταγωγή, θα επιχειρήσουμε να μελετήσουμε την κινησιολογία που δημιουργείται καθώς και το πώς κινείται κάποιος ως μονάδα. Οι παραδοσιακοί χοροί του τόπου μας είναι εξ ορισμού ομαδικοί (ή δυαδικοί). Τι αλλάζει όταν τους αφαιρούμε ένα τόσο βασικό χαρακτηριστικό;
Επιλέγοντας και μελετώντας ορισμένες μουσικές με διαφορετικά ύφη, μέτρα, ενορχηστρώσεις, νοήματα, συμβολισμούς, θεματικές, θα επιχειρήσουμε να εξάγουμε στοιχεία από αυτές, να ηχογραφήσουμε ήχους συνδεδεμένους με αναμνήσεις σχετικές με την παράδοση και τη δική μας αντίληψη για αυτήν και τελικά να δημιουργήσουμε ένα πλαίσιο για ζωντανή εκτέλεση ηλεκτροακουστικής μουσικής.
Όλα αυτά σε μία εναρμονισμένη συνάντηση κίνησης και ήχου.

Ανοιχτή παρουσίαση: Σάββατο 25 Μαΐου 2024
21:30, Ελεύθερη Είσοδος

Co existing – Εργαστήριο αυτοσχεδιασμού για χορευτές/τριες και μουσικούς
Σάββατο 25 Μαΐου 2024, 17:00-19:00
Κυριακή 26 Μαΐου 2024, 12:00-15:00
Ελεύθερη Συμμετοχή

Όλγα Καλαντζή

Η Όλγα Καλαντζή γεννήθηκε στην Αθήνα το 1994. Σπούδασε στο Τμήμα Μηχανικών Σχεδίασης Προϊόντων και Συστημάτων στη Σύρο και στην Ανώτερη Επαγγελματική Σχολή Χορού Ακτίνα στην Αθήνα. Έχει συνεργαστεί με το Χοροθέατρο Ακροποδητί στη Σύρο και την SQx Dance Company στον Καναδά. Πλέον ζει στην Αθήνα και διδάσκει παραδοσιακούς χορούς μαζί με τον Ανδρέα Σεγδίτσα. Το 2023 παρουσίασε το σόλο της “WRAP: a pocket guide to never escaping yourself” στην Αθήνα, την Πορτογαλία και την Τουρκία και πήρε μέρος στα θεατρικά βραβεία κοινού All4fun στον κινηματογράφο Ideal. Eπίσης, συνεργάζεται με την Collective Spine για το έργο “La Soirée”.
Την ενδιαφέρουν οι πρακτικές, τα εργαλεία αυτοσχεδιασμού και η έρευνα στοιχείων όπως η ελευθερία και ο περιορισμός, η τάξη και η αταξία, η μορφή και η αμορφία, καθώς και η συνεργασία και η ενδυνάμωση της σύνδεσης μεταξύ των ανθρώπων.
https://vimeo.com/867540517

Φίλιππος Ράσκοβιτς

Ο Φίλιππος Ράσκοβιτς είναι συνθέτης και αυτοσχεδιαστής από την Αθήνα με έδρα το Βίλνιους. Το 2021 ολοκλήρωσε το οπτικοακουστικό έργο “Echo Chambers” σε συνεργασία με τον γλύπτη Δ. Ταμπάκη κατά τη διάρκεια του FUGA residency στην Ισπανία, και μαζί με την κολεκτίβα Un.Processed Realities δημιούργησαν το “POST EUROPEAN RAGEROOM TM”, μια performance και έκθεση που παρουσιάστηκε στο Centrum Berlin.
Ως αυτοσχεδιαστής, κυκλοφόρησε την πρώτη του δουλεία “gentle presence” το 2020 και έχει εμφανιστεί μεταξύ άλλων στο Fylkingen, State51 Studios, Flatterschafft – Basel, και Studium P. Είναι επίσης ιδρυτικό μέλος του “illucid trio” με τους K.Jusinskas και G.Steponavičius. Το 2019 συνίδρυσε την κολεκτίβα και το φεστιβάλ KRAMA, μια ανεξάρτητη πρωτοβουλία που έχει ως στόχο να παρουσιάσει μια νέα οπτική μέσα στην καλλιτεχνική σκηνή της Αθήνας.
www.raskovicfilippos.com

Περιγραφή του έργου:
Affirming our Identity: A co-creative project

This ambitious and transformative project is dedicated to delving into the profound experiences of LGBTQ+ artists, a queer composer, and the general public, as they navigate the intricate web of systemic discrimination based on their gender identity and sexual orientation. Through the careful curation of renowned artists from diverse backgrounds around the world, the project endeavors to foster connections among communities, providing valuable opportunities for engagement in high-quality dance. Moreover, this project seeks to shine a spotlight on positive role models, illuminating the path towards acceptance, understanding, and societal transformation. In close collaboration with relevant partners, the project will place utmost importance on cultivating engagement and support for the vibrant LGBTQIA+ community. With a strong focus on inclusivity, participants from the broader LGBT population will have the exceptional opportunity to embark on an empowering journey, exploring their boundless creativity through expertly guided movement improvisation sessions. These sessions, led by seasoned queer teachers, will serve as pivotal moments in shaping our collective creative process. Collaborating seamlessly with esteemed queer dance professionals, we will work tirelessly to craft an awe-inspiring evening-length performance piece. This performance will serve as a captivating tapestry, interwoven with the aspirations, dreams, and narratives of the participants, ultimately placing them at the very heart of our extraordinary artistic journey. The culmination of our collective efforts will not only bring crucial issues into the spotlight but also kindle a fervent desire for meaningful social change.
Guided by the expertise of our accomplished queer teachers, participants will embark on a transformative journey of self-discovery and expression. Through movement improvisation sessions, we will create a safe and supportive space where participants can freely explore their unique identities, transcending societal norms and embracing their authentic selves. These sessions will provide a profound opportunity to connect with the deepest facets of one’s being, tapping into emotions, experiences, and personal stories that shape the tapestry of their lives. As participants embark on this voyage of self-exploration, the dance floor will become a sacred space for catharsis, growth, and empowerment.
By joining forces with distinguished queer dance professionals, we will forge a collaborative environment that nurtures and celebrates artistic growth. Drawing from a rich tapestry of dance styles and techniques, participants will expand their movement vocabulary, unleashing their creative potential. As they learn and embody choreographic phrases that are specifically designed to explore LGBTQ+ themes and experiences, participants will forge a deep connection with the subject matter. This process of transformation will empower individuals to communicate their personal narratives through the language of dance, transcending boundaries and inspiring others with their resounding authenticity.
In addition to the transformative power of movement, this project will foster a culture of open dialogue, inspiring discussions, and collective reflection. Intimate group discussions, carefully facilitated by our experienced team, will provide a platform for participants to delve into the profound themes explored through improvisation and choreography. These discussions will invite participants to share their insights, questions, and lived experiences, cultivating a deep sense of empathy and understanding among the group. As diverse perspectives intertwine, new insights will emerge, challenging preconceived notions and fostering growth on both personal and societal levels.
The culmination of this extraordinary journey will be an enchanting and thought-provoking evening-length performance. Participants will have the opportunity to showcase their individual or collective creations, breathing life into their stories, struggles, and triumphs. Through a captivating tapestry of movement and artistic expression, the performance will serve as a profound medium for storytelling, illuminating the path towards social change. With each step, leap, and gesture, participants will inspire audiences to embrace diversity, challenge prejudice, and foster a more inclusive world.
This visionary project endeavours to transcend the boundaries of dance, delving deep into the experiences of LGBTQ+ artists, a queer composer, and the general public. By nurturing creativity, embracing diversity, and igniting conversations, we aim to break down the barriers of systemic discrimination. Through guided movement improvisation sessions, the acquisition of choreographic phrases, and empowering discussions, participants will embark on a transformative journey of self-expression, growth, and empowerment. With the support and collaboration of esteemed queer dance professionals, we will collectively weave an evening-length performance that breathes life into the participants’ aspirations, placing their narratives at the heart of our artistic journey. Ultimately, this project aims to illuminate crucial issues, inspire empathy, and ignite a fervent desire for social change, paving the way towards a more inclusive and accepting society for all.

Ανοιχτή παρουσίαση: Κυριακή 25 Φεβρουαρίου 2024
20:30, Ελεύθερη Είσοδος

Physicalising our identity through movement: Masterclass by Julian Nichols and Alex Henderson
Σάββατο 24 Φεβρουαρίου 2024, 17:00-20:00
Ελεύθερη Συμμετοχή

Julian Nichols

Julian Nichols, born and raised in Toronto, Ontario, is a talented dancer, choreographer, and activist. He has made significant contributions to the world of contemporary dance, both as a performer and as a promoter of gender inclusivity in the field. In 2017, Julian graduated Cum Laude with a Bachelor of Fine Arts degree from the Conservatory of Dance at Purchase College, SUNY. During his time at college, he had the opportunity to study abroad at Taipei National University of the Arts in Taipei, Taiwan, where he collaborated with renowned international artists, broadening his perspective on dance. Throughout his career, Julian has had the privilege of performing works by several esteemed choreographers, including Aszure Barton, Tom Weinberger, Jose Limón, Brian Brooks, Kyle Abraham, Darryl Tracy, Allen Kaeja, Rosalind Newman, Emily Molnar, Alexander Whitley, Carol Anderson, Fanny Ghoreyab, Hanna Kiel, Maxine Doyle, and Roy Assaf. His repertoire showcases his versatility and skill, allowing him to interpret a wide range of choreographic styles and concepts. Julian’s talent and versatility were also recognized when he had the opportunity to dance for Hanna Kiel’s Human Body Expression, demonstrating his artistic range in different collaborative endeavours. Additionally, Julian has made significant contributions to the Amina Khayyam Dance Company, showcasing his exceptional talent and dedication as a dancer. His involvement with Nimbus Dance Works as a company member and his guest artist work with The Limón Company further solidify his reputation within the dance community. Furthermore, Julian’s skills have been sought after in the realm of television, music videos, and commercials, where he has brought his artistry to the screen, captivating audiences with his performances. His ability to adapt and excel in diverse settings is a testament to his versatility and professionalism as a dancer. Whether on stage, in front of the camera, or collaborating with fellow artists, Julian continues to leave an indelible mark on the dance industry. In his quest for artistic growth, Julian has actively sought training opportunities at prestigious dance programs and workshops. He has participated in Springboard Danse Montreal, The School at Jacob’s Pillow, Momentum Montreal, and the Movement Invention Project. These experiences have allowed him to refine his technique, expand his creative horizons, and connect with dancers and choreographers from around the world. In recent years, Julian has shifted his focus towards composition and activism. He founded his own nonprofit organization called Bodies in Action ~ enGendering Contemporary Dance, with the aim of promoting equal representation of all gender identities in the field of contemporary dance. Through this initiative, Julian strives to challenge traditional norms and create a more inclusive and diverse dance community. Since its inception, Julian has created a short dance film, two evening-length works, and multiple duets, solos, and group pieces. Julian’s passion for dance extends beyond his own performances and activism. He has also shared his knowledge and expertise through teaching engagements. He has conducted company classes for prestigious dance companies such as the Rambert Dance Company, New Adventures, Corey Baker Dance in London, and NDC Wales in Cardiff. By teaching and mentoring aspiring dancers, Julian contributes to the growth and development of the next generation of dance artists. Currently based in London, UK, Julian continues to make a profound impact on the dance world through his performances, choreography, and advocacy work. His dedication to pushing boundaries, challenging stereotypes, and fostering inclusivity in contemporary dance establishes him as a dynamic and influential figure in the field.

Περιγραφή του έργου: The Boundless Food project

This new artistic project is about the complex and multifaceted relationship we have with food, our habits, the repetitive patterns we follow, and the boundaries that confine us. Through a series of paintings, this project seeks to challenge preconceived notions, question societal norms, and spark conversations about our culinary experiences.
Through the exploration of repetitive patterns and movements, “the boundless food project” will take shape on deep studies using my own body to understand and examine the cyclic nature of my own eating habits, raising questions about their impact on my overall well-being.
It will be also very interesting to work with other volunteers. I would like to document the whole process of research through dance and movement.
After this first step, I want to develop preparatory drawings of those gestures that govern our eating routines, from daily rituals to indulgences, and examines the boundaries – both physical and psychological – that surround our choices.
At the end of residency, I would love to present few paintings celebrating the pleasures of culinary exploration while shedding light on the potential pitfalls and limitations of our habits and societal expectations.
By intertwining elements of personal introspection with universal themes, this project endeavors to inspire viewers to break free from rigid patterns, embrace culinary diversity, and cultivate a more mindful and liberated approach to food.

Ανοιχτή παρουσίαση: Σάββατο 27 Ιανουαρίου 2024
20:30, Ελεύθερη Είσοδος

Workshop of visual arts and movement with Valentine Bouvet
Σάββατο 20 Ιανουαρίου 2024, 17:30-20:00
Ελεύθερη Συμμετοχή

Valentine Bouvet

Valentine BOUVET is a French artist and figurative painter born in 1994.
Her journey as an artist began during her childhood and later when she was experimenting with different art mediums. She first studies applied arts during high school where she developed a real interest in drawing and fashion design. Then, she decided to deepen both cursus and practice her art aside working for different brands as fashion designer.
During her 20’s, Valentine developed a deep passion for paintings and was particularly drawn to the expressive power of color. Her works delves into a wide range of costal and cultural issues, such as gender stereotypes, consumerism, beauty standards and the impact of social media. This year, she participates, for the second time, to Le Cercle de l’Art, a big community of women artists who work on sharing their artistic process and encouraging others to use art as a means of expression and social change.

Περιγραφή του έργου: 

The term “no man’s land” became historically significant in the First World War, when it referred to an unoccupied area between opposing armies. Interpreting the phrase ‘no man’s land’ in a metaphorical sense, I imagine a place where humans stand in their pur-est existence as animals striving to survive.
‘Songs of Absence’ is the first segment of my performance series ‘No Man’s Land’, which is based on this premise. It is based on the character Lavinia in Shakespeare’s ‘Titus An-dronicus’. Lavinia is the daughter of Titus, a general in the Roman army who is engaged in a cycle of revenge. ‘Songs of Absence’ is developed from the scene in which Lavinia has been raped, her tongue and hands were cut off by the assailants, and she is then hung from a dead tree trunk. She is stripped of her most fundamental human abilities to communicate. Yet, as she is physically pared down, her narrative and thematic im-portance escalates.
This seemingly paradoxical power of Lavinia’s silence heightens the sense of hearing. The primordial energy of the silence fills the absence of sound, like that of a wordless animal in no man’s land.

Ανοιχτή παρουσίαση: Κυριακή 05 Νοεμβρίου 2023
20:30, Ελεύθερη Είσοδος

Improvisation in the Void (movement workshop) 
Κυριακή 22 Οκτωβρίου 2023, 11:30-13:30
Ελεύθερη Συμμετοχή

Sound of Listening (sound/movement workshop) 
Σάββατο 04 Νοεμβρίου 2023, 17:30-19:30
Ελεύθερη Συμμετοχή

Soeine Bac

Soeine Bac is a Korean-born immigrant to Canada. She studied studied visual art, media art, and dance in Canada, and continued this study in the UK, focusing on intuitive intention in art. She surveyed unintentional forces that drive the artist to create artwork with a specific trajectory. To further study this improvisational intention, she turned to East Asian philosophy, which emphasizes removing one’s intentional mind to discover – instead of decide – choices in practicing life, and to unify mind and body.
Although she has been influenced by Western cultures, she pursues the natural world of matter in finding her sense of self, trying to maintain a holistic perspective beyond all her cultural backgrounds. Improvisation then became her method for art and for life. She regards art as a form of living, not merely as an institutional discipline; she aims to create a kind of art that is consistent with the way we experience the world.
The initiation of this process started when she directly encountered the ancient East Asian idea of Wu (doing without intention) behind ‘Nature art’ during her artist’s residency at YATOO in 2015. The art form had been developed by some local Korean artists in reaction against the domination of Western culture after the Korean war. While its Western parallels, such as Land art or Earth art, employ nature to fulfil the artist’s visions, the artists of Nature art allow themselves to be transformed in encounters with nature, while minimizing human intentions and thus interruptions. She took this state that requires the absence of human intention as the base of her practice of improvisation.
Since then, she has been studying Zen Buddhist yoga and drumming for meditation, and Aikido in order to better understand the state of Wu for improvisation. Along these lines, she has been researching intuitive consciousness in improvisation, and instant composition of movement.
Her work is often site-specific, and she pursues an aesthetic of the ordinary, seeking the spiritual aspect of art and how it is revealed in life.

Περιγραφή του έργου: 

Το “Sisters’ Project” (τίτλος εργασίας) είναι μια θεατρική παράσταση χορού που απευθύνεται σε όλους και όλες, από 8 έως 108 ετών.  Τοποθετημένο σε μια σκονισμένη σοφίτα, στο Sisters’ Project ξεδιπλώνεται η σχέση μεταξύ τριών αδελφών που εξερευνούν την έννοια της απώλειας. Από την απώλεια αγαπημένων αντικειμένων και προσώπων, μέχρι την απώλεια της μεταξύ τους επικοινωνίας (σχέσης, επαφής) και του ίδιου του χρόνου. Πώς τρεις νεαρές γυναίκες βρίσκουν στήριξη και παρηγοριά η μία μέσα από την άλλη, ενώ παράλληλα αναπτύσσουν τη δική τους ταυτότητα. Μέσα από το χιούμορ και την ποίηση, τα ακροβατικά, τη μίμηση και ένα ευφάνταστο σκηνικό (που αποτελείται από ξύλινα αντικείμενα και ύφασμα) το Sisters’ Project σας παρασύρει σε ένα φανταστικό ταξίδι όπου υπάρχει χώρος για την πολυπλοκότητα: για το γέλιο και τα δάκρυα, τον θυμό και την αποδοχή.

Ανοιχτή παρουσίαση: Κυριακή 08 Οκτωβρίου 2023
20:30, Ελεύθερη Είσοδος

Το ταξίδι των χαμένων πραγμάτων: ένα παιδικό εργαστήριο με θέμα την απώλεια
Σάββατο 07 Οκτωβρίου 2023, 17:30-20:30
Ελεύθερη Συμμετοχή

Ισμήνη Σλεΐπερ

Γεννημένη και μεγαλωμένη στο Άμστερνταμ (1999), η Ισμήνη Σλεΐπερ ξεκίνησε να χορεύει σε ηλικία 8 ετών. Αργότερα σπούδασε σύγχρονο χορό στο Βασιλικό Ωδείο της Αμβέρσας, από το οποίο αποφοίτησε το 2020. Μαζί με τους συμφοιτητές της ίδρυσε το SIDEWARDS (www.sidewards.be), μία συλλογικότητα που δημιουργεί και υποστηρίζει παραγωγές χορού και διοργανώνει πολιτιστικές εκδηλώσεις. Στο πλαίσιο του SIDEWARDS, η Ισμήνη συνδημιούργησε την παράσταση χορού “If you want, maybe not” (2021) και διοργάνωσε το φεστιβάλ «FountainFest: The Festival of Femxle Pleasure» (2022). Έχει εργαστεί ως καθηγήτρια χορού στη γενέτειρά της, το Άμστερνταμ, στο Het Amsterdams Lyceum (2021-2022). Κατά τη διάρκεια των τελευταίων 10 μηνών βρίσκεται στην Αθήνα, όπου είχε την ευκαιρία να συνεργαστεί με την ομάδα χορού Artogether, μια ομάδα χορού για άτομα με και χωρίς αναπηρίες, ενώ παράλληλα συν-δημιούργησε δύο δικά της performance projects: “The Sisters Project” και “Co-habitance”:

Αγγελική Σακελλαρίου

Γεννημένη και μεγαλωμένη στο μικρό νησί της Σύρου, η Αγγελική Σακελλαρίου χορεύει από την ηλικία των 10 ετών. Ξεκίνησε με τον παραδοσιακό ελληνικό χορό και έκανε 6 χρόνια ρυθμική γυμναστική. Είναι μαθήτρια στο Κέντρο Χορού και Παραστατικών Τεχνών Ακροποδητί από το 2013 και έχει συμμετάσχει σε παραστάσεις και μαθήματα χορού (μπαλέτο, σύγχρονος χορός, τζαζ, κλπ.). Είναι εργοθεραπεύτρια (απόφοιτος του Πανεπιστημίου Δυτικής Αττικής) και τα τελευταία 3 χρόνια είναι μέλος της ομάδας Artogether στην Αθήνα. Έχει συμμετάσχει σε πολλά (χορευτικά) εργαστήρια και αγαπά τον αυτοσχεδιασμό και την αυθεντική κίνηση.
Σχεδιάζει να κάνει μεταπτυχιακό στη χοροθεραπεία.

Μυρσίνη Τζαβάρα

Γεννημένη και μεγαλωμένη στη Σύρο (2001), η Μυρσίνη Τζαβάρα ξεκίνησε να χορεύει στο Κέντρο Χορού και Παραστατικών Τεχνών Ακροποδητί σε ηλικία 8 ετών. Από το 2019 σπουδάζει Συντήρηση Αρχαιοτήτων και Έργων Τέχνης στην Αθήνα, όπου επίσης παρακολουθεί διάφορα μαθήματα σύγχρονου χορού με διάφορους δασκάλους.

Artisti Diner
Ανοιχτή παρουσίαση: 14 Σεπτεμβρίου 2023 
from 6 p.m. visit of the sailboat Bise Noire
(Kon/nou Zervaki 5, Ermoupoli)
7:30 p.m. group walk to the Akropoditi Dance and Performing Arts Centre
(Ir. Politechniou 84, Ermoupoli)
8 p.m. performance installation and aperitif at the Akropoditi Dance and Performing Arts Centre.

The Bise Noire association

The Bise Noire association, based in Switzerland, was founded in 2019 by Nourya White Khaldi, Laurine Landry & Lucas Verheij.
Since then, it has been inviting artists to share its journey along the Mediterranean coast aboard the sailboat Bise Noire. Artists are welcomed for three weeks for research and creative residencies under the aegis of the Escales! project. Escales is the name of the residency project dreamed up by the Bise Noire association. The idea is to bring on board artists who wish to draw inspiration for their work from encounters and the sea.
www.bisenoire.org

This year, in collaboration with the Akropoditi Dance and Performing Arts Centre, the Bise Noire association is proud to present the work of the artists in residency. These four artists have been in Athens and the Cyclades for three weeks, aboard the sailing ship Bise Noire and at the Akropoditi Dance and Performing Arts Centre.

Mileva Testas

Mileva Testas is an artist and designer who graduated from the École des Beaux-Arts de Lyon and has been based in Mallorca for the past six years. Her work focuses on artisanal and experimental design, using different materials such as silver, glass and ceramics. Her creations are strongly inspired by the Mediterranean landscape and the organic and mineral forms it offers.
Mileva Testa will present a series of objects and experiments resulting from the research carried out during her residency: objects to be seen or worn, woven from palma leaf, esparto or materials found along the way.

Ludovic Vial

Ludovic Vial studied visual arts at HEAD – Geneva, then at La Manufacture – Lausanne. In his practice, he explores the intersections between what doesn’t seem to be self-evident, navigating between different practices, from performance to movement writing, text and music. He is interested in different constructions drawn from popular culture, the collective unconscious, intimate narratives and gender studies, which he assembles and rearranges to create new subjectivities.
The research presented at the Akropoditi Dance and Performing Arts Centre will start from the figure of the mermaid (between Greek literary roots and the Danish fairy tale by Hans C. Andersen) through an exploration of sound, music and choreography. As much a myth as a literal image projected by navigation on Bise noire, this research will seek to take account of the chimera’s troubled identity, and of a form of corporal and vocal transposition.

Nicolas Steulet

Nicolas Steulet is training as a stage director at La Manufacture, Lausanne. He has taught theater workshops for children and teenagers for several years, and enjoys creating shows in which particular attention is paid to light and shadows.
Between two sunburns, during the residency, he would like to write about the gaps in his childhood memory. To fill in these gaps or explore them further. Nicolas Steulet would like to give a reading of some of his texts at the Akropoditi Dance and Performing Arts Centre.

Lucas Herzig

Lucas Herzig was born in Zurich in 1988 and grew up in Pura, Italian-speaking Switzerland. He obtained a Bachelor’s degree in Visual Arts from the Haute École d’Art et Design de Genève (HEAD) in 2011 and a Master’s degree from the Hochschule der Künste Bern (HKB) in 2015.
In his work, he critically addresses issues such as the adaptation of hybrid identities and the creation of new founding myths. He often goes back in time to draw conclusions about the present.
Lucas Herzig intends to create on board a series of small sculptures inspired by the Neolithic sculptural art of the Cyclades. The objects to be shown at the Akropoditi Dance and Performing Arts Centre are the result of the artist’s research and collect.

Antara 2.0

Ανοιχτή παρουσίαση: 26 Μαΐου 2023 στις 22:00
Κέντρο Χορού και Παραστατικών Τεχνών Ακροποδητί

Σε έναν κόσμο που επιβάλλει την απομόνωση και τους κανόνες συμπεριφοράς. Σε έναν κόσμο που απαγορεύει την επαφή, γεννιέται για εμάς το επόμενο στάδιο της ανθρώπινης εξέλιξης.
Έτσι προκύπτει ένας άνθρωπος χωρίς επιθυμίες, αποστειρωμένος, χωρίς επίγνωση του εαυτού του, ένας λευκός καμβάς.
Μέσα από το σόλο μας, θέλουμε να θέσουμε ως ζήτημα το δίπολο που θα βιώσει ο καινούργιος άνθρωπος στη διαδικασία του επαναπροσδιορισμού του. Θα αναζητήσουμε εύθραυστες στιγμές κίνησης μέσα σε μία κατά τα άλλα αυστηρή σωματική φόρμα.
Οι εύθραυστες στιγμές κίνησης θα αποτελούνται από ξεσπάσματα δίχως έλεγχο ή ρυθμό, ενώ το αυστηρό πλαίσιο θα περικλείει περιορισμένη, προσεκτική και αργή κίνηση, χωρίς συναίσθημα, χωρίς ζωή.
Επιπλέον θα δώσουμε έμφαση από την αρχή σε βασικές λειτουργίες του σώματος, όπως είναι η έκταση των αρθρώσεων και η ισορροπία, ελπίζοντας τελικά να προκύψει ένας ορισμός που θα περιγράφει τον ψυχισμό του νέου ανθρώπου.

Λέξεις: αρθρώσεις, καμένο πλαστικό, σπασμένη κούκλα, χταπόδι, άβολα χέρια, bounce, boxing.

Έρευνα κίνησης: Ζαφείρα Σεβαστή, Νάστος Θεόδωρος
Μουσική: Νάστος Θεόδωρος, Abstract Soundscape
Εκτέλεση: Ζαφείρα Σεβαστή

Fragile bones – Masterclass με τη Σεβαστή Ζαφείρα, 22 Μαΐου 2023

Σεβαστή Ζαφείρα
Η Σεβαστή Ζαφείρα είναι χορεύτρια που ζει και εργάζεται στην Ελλάδα. Γεννήθηκε το 1997 στη Σύρο και αποφοίτησε με διακρίσεις από την Κρατική Σχολή Ορχηστικής Τέχνης. Από μικρή ηλικία ασχολήθηκε με τον αθλητισμό και στη συνέχεια με τον χορό. Έχει συνεργαστεί, μεταξύ άλλων, με τους Χρήστο Παπαδόπουλο, Αντώνη Φωνιαδάκη, Πατρίσια Απέργη, Εύα Γεωργιτσοπούλου, Τζένη Αργυρίου, Ευάγγελο Πουλίνα κ.α συμμετέχοντας σε παραστάσεις στην Ελλάδα και το εξωτερικό.
Έχει επίσης συνεργαστεί με διάφορους σκηνοθέτες θεάτρου και κινηματογράφου όπως τον Μανώλη Μαύρη για το «Brutalia, Εργάσιμες μέρες» το οποίο βραβεύτηκε στην Εβδομάδα Κριτικής του Φεστιβάλ Καννών, κερδίζοντας το βραβείο του Canal+ για την καλύτερη ταινία μικρού μήκους, με τον Θάνο Παπακωνσταντίνου στην Εθνική Λυρική Σκηνή, και με τον Βασίλη Κεκάτο για καμπάνια του Korres Athens (Short Film Series). Πήρε μέρος στη καμπάνια Dior Cruise 2022 Film, σκηνοθετώντας ο Benjamin Vu.

Θεόδωρος Νάστος
Ο Θεόδωρος Νάστος έχει μια ποικίλη εμπειρία στον κινηματογράφο, τη μουσική και τη καλλιτεχνική διεύθυνση. Το έργο του περιλαμβάνει τη συμμετοχή του στη μικρού μήκους ταινία “Melatonin”, η οποία παρουσιάστηκε σε διάφορα φεστιβάλ σε όλο τον κόσμο, τη σύνθεση και εκτέλεση μουσικής για το συγκρότημα Yogurt Maybe, την δημιουργία μουσικών βίντεο, τη συμμετοχή του σε μεγάλες καμπάνιες και διαφημίσεις ως μοντέλο, και την παρακολούθηση ενός 3μηνου σεμιναρίου στη διεύθυνση φωτογραφίας. Επίσης, είναι καλλιτεχνικός διευθυντής για το project Yogurt Maybe, όπου δημιούργησε σενάρια, artworks, και βίντεο υλικό. Η ποικιλία των δεξιοτήτων και εμπειριών του, του επιτρέπει να προσεγγίσει καλλιτεχνικά έργα από διαφορετικές σκοπιές.