residencies

Περιγραφή του πρότζεκτ: 
Το Akómi είναι το πρώτο συνεργατικό έργο των χορογράφων Ermira Goro (Αθήνα) και Ildikó Tóth (Λειψία). Εξερευνά πώς η ατομική αντίληψη και η συναισθηματική εμπειρία διαμορφώνονται και συχνά σιωπούν υπό την επιρροή συλλογικών αφηγήσεων. Εμπνευσμένο από την Κασσάνδρα της Christa Wolf, έναν εσωτερικό μονόλογο για την απομόνωση, την καταπιεσμένη αλήθεια και το βάρος της γνώσης, το έργο διερευνά πώς αυτές οι εντάσεις εκδηλώνονται μέσα από το σώμα.
Τα ειδώλια τύπου Spedos του κυκλαδικού πολιτισμού, με τα σταυρωμένα χέρια και τα άμορφα πρόσωπα, λειτουργούν ως δεύτερο σημείο αναφοράς. Οι στάσεις τους εμπνέουν μια γλώσσα κίνησης βασισμένη στη στασιμότητα, την πίεση και τη σιωπηλή αντίσταση. Μέσα από αυτοσχεδιαστικά πλαίσια, οι Goro και Tóth εξετάζουν πώς τα σώματα μεταφράζουν την εσωτερική ένταση σε λεπτές δονήσεις και ρυθμικές μετατοπίσεις.
Κατά τη διάρκεια της φιλοξενίας τους στο Κέντρο Χορού και Παραστατικών Τεχνών Ακροποδητί, οι δημιουργοί θα αναπτύξουν περαιτέρω τη χορογραφική και χωρική δομή του Akómi. Η έρευνα θα ολοκληρωθεί με ένα δημόσιο showing, προσφέροντας στο κοινό μια εμπειρία του διαλόγου ανάμεσα στην κίνηση και την αντίληψη. Το Akómi αποτελεί χορογραφική διερεύνηση του κατακερματισμού και της ανθεκτικότητας, αναζητώντας πώς το σώμα κρατά και επαναπλάθει συλλογικές αφηγήσεις.

Masterclass
Σάββατο 01 Νοεμβρίου 2025, 17:00 – 19:00
Ελεύθερη Συμμετοχή

Ανοιχτή παρουσίαση: Τετάρτη 12 Νοεμβρίου 2025
13:00, Ελεύθερη Είσοδος

Ermira Goro

Η Ermira Goro είναι χορογράφος, περφόρμερ και movement director. Από το 2007 έως το 2018 συνεργάστηκε με το διεθνώς αναγνωρισμένο DV8 Physical Theatre ως περφόρμερ, δασκάλα και βοηθός στην έρευνα και ανάπτυξη/χορογραφία. Το 2022 ήταν υποψήφια για το βραβείο Outstanding Performer στα Bessies – The New York Dance and Performance Awards. Παράλληλα με τη δημιουργική και σκηνική της δραστηριότητα, η Ermira έχει προσκληθεί από διεθνείς οργανισμούς να αναπτύξει χορογραφικά έργα και εκπαιδευτικά προγράμματα. Κατά τη διάρκεια της καριέρας της, το έργο της έχει παρουσιαστεί και υποστηριχθεί από πλήθος φεστιβάλ και οργανισμών στην Ελλάδα και στο εξωτερικό, αποσπώντας θετικές κριτικές για τη φαντασία και την ιδιαίτερη καλλιτεχνική της προσέγγιση. Είναι Aerowaves Twenty25 Artist.
www.ermiragoro.com

Ildikó Tóth

Η Ildikó είναι χορογράφος, περφόρμερ και δασκάλα χορού με έδρα τη Λειψία. Σπούδασε στο Codarts University του Ρότερνταμ και ολοκλήρωσε μεταπτυχιακές σπουδές στη Νέα Υόρκη με υποτροφία DAAD. Συνεργάστηκε με καλλιτέχνες/ιδες όπως οι Bill Young/Colleen Thomas, Susan Marshall και Kota Yamazaki, πριν ενταχθεί στην Forsythe Company (2012–2015). Η χορογραφική της δουλειά εστιάζει στη συνεργασία και τον αυτοσχεδιασμό, και έχει παρουσιαστεί σε σκηνές όπως το LOFFT – Leipzig και η Schaubühne Lindenfels. Διδάσκει Forsythe improvisation στην Ευρώπη και τις Ηνωμένες Πολιτείες, ερευνώντας το σώμα ως χώρο συνείδησης και αντίληψης.
www.ildiko-toth.com

Project Overview & Research Focus
From October 22nd to November 13th, 2025, choreographers Ermira Goro (Athens) and Ildikó Tóth (Leipzig) conducted a three-week research residency for their new collaborative project, “Akómi,” at the Akropoditi Dance and Performing Arts Centre on the island of Syros, Greece.
The purpose of this residency was to establish the foundational choreographic and spatial framework for Akómi. The work investigates how individual perception is shaped by dominant collective narratives, drawing conceptual inspiration from Christa Wolf’s  book Kassandra and the aesthetic minimalism of the Cycladic Spedos figurines.

Residency Process and Methodology
As this was the first time the two artists collaborated, the residency provided the essential studio time required to develop a shared movement language and identify common choreographic interests without the pressure of performance expectations. This dedicated research phase was crucial for exploring the project’s core themes—internalized pressure, stillness, and latent resistance—and translating them into a minimalist movement vocabulary.
The use of a video camera served as an additional tool in the research, enabling the exploration of the moving body through different angles, frames, and excerpts—including close-ups, frog, and bird views. This approach was vital for not only documentation and reflection but also for deliberately distorting conventional visual perception and investigating new forms of physical intimacy and fragmentation within the developing material.

Public Engagement
At the end of the residency the local community was invited to an open presentation on Wednesday, November 12th, 2025 (13:00). This event offered the public direct insight into the evolving dialogue between movement and the core conceptual concerns of Akómi.

Conclusion
The time spent at Akropoditi successfully established the artistic foundation for Akómi. The residency allowed for a focused, deep dive into conceptual sourcing and material development, providing both artists with the groundwork necessary to transition the research into a full-scale production phase.

Περιγραφή του πρότζεκτ:
Το έργο αυτό αποτελεί μια προσωπική και φεμινιστική διερεύνηση του θυμού που προέρχεται από τη γυναικεία κοινωνικοποίηση. Μεγαλώνοντας ως κορίτσι, έμαθα να είμαι «καλή», «όμορφη», «ευάρμοστη». Αυτή η διαπαιδαγώγηση έχει διαμορφώσει όχι μόνο την ταυτότητά μου, αλλά και τον τρόπο με τον οποίο κινούμαι και δημιουργώ στον χορό. Κάτω από το χαμόγελο, ωστόσο, υπάρχει μια επίμονη αίσθηση ότι κάτι λείπει — μια ανησυχία, μια σιωπηλή ενέργεια.
Στο WUTBRUST ερευνώ τον καταπιεσμένο, εξημερωμένο και εσωτερικευμένο θυμό — εκείνον που κρύβεται πίσω από την ευγένεια, που στρέφεται προς τα μέσα και μας αρρωσταίνει και που, στην αυτοκαταστροφική μορφή του, τελικά αναπαράγει τη θυματοποίηση και συντηρεί πατριαρχικές δομές εξουσίας και εξάρτησης. Θέλω να δώσω χώρο στο γκροτέσκο, το ωμό, και στα «μη θηλυκά» συναισθήματα που για καιρό στιγματίζονται.
Μέσα από την ωμή σωματικότητα μορφών χορού όπως το Krump και το Butoh —οι οποίες δίνουν έμφαση στην αυθεντική, ευάλωτη έκφραση και αμφισβητούν τα κυρίαρχα αισθητικά πρότυπα «ομορφιάς»— αναζητώ ένα κινησιολογικό λεξιλόγιο που να ενσαρκώνει αυτά τα συναισθήματα. Το WUTBRUST συνδυάζει σύγχρονο χορό, περφόρμανς και θεατρικές εικόνες σε μια σκόπιμα ωμή, πολύχρωμη και αντιφατική αισθητική. Το πρότζεκτ επιδιώκει την ενδυνάμωση μέσω της αποδοχής του θυμού στη δημιουργική και παραγωγική του δύναμη, ως μεταμορφωτικής ενέργειας — προς την απελευθέρωση από εσωτερικευμένες νόρμες και προς την ουσιαστική ισότητα.

Ανοιχτή παρουσίαση: Σάββατο 07 Μαρτίου 2026
20:00, Ελεύθερη Είσοδος

Masterclass
«Shake the nice girl out!»
Μάθημα χορού και αυτοσχεδιασμού με θέμα τον θυμό που προέρχεται από τη γυναικεία κοινωνικοποίηση.
Κυριακή 08 Μαρτίου 2026, 11:00 – 13:00
Ελεύθερη Συμμετοχή

Mara Natterer

Η Mara είναι χορεύτρια και θεραπεύτρια κρανιοϊερής θεραπείας. Διδάσκει σύγχρονο χορό, κίνηση και contact improvisation στην Ελβετία και διεθνώς. Σπούδασε Διεθνείς Σχέσεις στη Γενεύη και στη συνέχεια εργάστηκε στον τομέα των ανθρωπίνων δικαιωμάτων για το Ίδρυμα Heinrich Böll στη Βραζιλία. Είναι κάτοχος Μεταπτυχιακού τίτλου (Master) στον Κοινοτικό Χορό από το Laban Conservatoire of Music and Dance στο Λονδίνο και έχει συντονίσει κοινοτικά πρότζεκτ χορού στην Αγγλία, τη Βραζιλία, την Ισπανία και την Ελβετία, καθώς και με φοιτητές/τριες από διάφορα πανεπιστήμια στη Γερμανία και την Ελβετία.
Ως ανεξάρτητη χορεύτρια και συν-χορογράφος, έχει συνεργαστεί με πολυάριθμους/ες χορογράφους στην Ελβετία και στο εξωτερικό (π.χ. Rahel Lopez de la Nieta, Heidi Rustgaard, Alexandra Prici, Elenita Queiroz). Δημιουργεί επίσης χορογραφίες για μεγάλες θεατρικές παραγωγές.
Το 2022 έλαβε Υποτροφία Χορού από το Πολιτιστικό Ίδρυμα Appenzell Ausserrhoden για το πρότζεκτ BERÜHRBAR. Από το 2023 είναι καλλιτεχνική διευθύντρια του Laboratoire Paul, μιας πλατφόρμας διεπιστημονικής συνεργασίας στο πλαίσιο του Paula Interfestival (www.paula-interfestival.ch). Το 2024 έλαβε την Υποτροφία Έργου του Καντονίου St. Gallen για το πρότζεκτ Hauten Baby!, το οποίο διερευνά πρακτικές αντιμετώπισης του τραύματος στις παραστατικές τέχνες.

Περιγραφή του πρότζεκτ: 
Sull’uscio είναι ο τίτλος ενός ερευνητικού πρότζεκτ σε εξέλιξη από την ομάδα Apolvere, στο πλαίσιο των παραστατικών τεχνών. Η ομάδα ξεκίνησε αυτήν την έρευνα κατά τη διάρκεια μιας σύντομης φιλοξενίας σε πρόγραμμα καλλιτεχνικής κατοικίας τον Μάιο του 2025, όπου άρχισε να δουλεύει πάνω στη σωματική κίνηση, τα ηχοτοπία, τη μουσική σύνθεση και το κείμενο. Σήμερα, σε συνεργασία με τον Svesda (Santi Perez), η ομάδα συνεχίζει την έρευνά της φιλοξενούμενη για δύο εβδομάδες στο πρόγραμμα καλλιτεχνικής κατοικίας του Κέντρου Χορού και Παραστατικών Τεχνών Ακροποδητί.
Στον πυρήνα της νέας δουλειάς της, η ομάδα στρέφει το ενδιαφέρον της στις αρχές της ανακύκλωσης, της αντίστασης και της επιμονής. Αυτές οι έννοιες λειτουργούν καθοδηγητικά σε πολλαπλά επίπεδα της διαδικασίας. Διαμορφώνουν την προσέγγιση της ομάδας στα πεδία της κίνησης, του ζωντανού και του ηχογραφημένου κειμένου, καθώς και της μουσικής σύνθεσης. Σε εννοιολογικό επίπεδο, πλαισιώνουν επίσης την ενασχόληση του πρότζεκτ με το θέμα της αντίστασης, στο πλαίσιο της σύγχρονης ευρωπαϊκής πολιτικής και της ευρύτερης δυτικής πολιτικής.

Ανοιχτή παρουσίαση
Σάββατο 04 Οκτωβρίου 2025
20:00, Ελεύθερη Είσοδος

Masterclass
Σάββατο 27 Σεπτεμβρίου 2025, 18:00 – 20:00
Ελεύθερη Συμμετοχή

Apolvere

Η ομάδα Apolvere είναι ένα ανερχόμενο χορευτικό δίδυμο που δημιουργήθηκε και συνδιευθύνεται από τους Arianna Bonacina και Martí Ramis Muñoz. Προέρχονται αντίστοιχα από την Ιταλία και την Ισπανία και γνωρίστηκαν κατά τη διάρκεια των σπουδών τους στο Σάλτσμπουργκ. Κατά τη διαμονή τους στην Αυστρία, ξεκίνησαν να συνδημιουργούν όταν συνειδητοποίησαν ότι μοιράζονται μια κοινή οπτική για την σκηνική τέχνη.
Η δουλειά τους επικεντρώνεται στη δημιουργία αποσπασματικών πραγματικοτήτων, όπου οι λεπτομερείς δυναμικές των ανθρώπινων πράξεων και αλληλεπιδράσεων αναλύονται και αποτυπώνονται με τη χρήση διαφορετικών μέσων. Ασχολούνται κυρίως με θεματικές που έχουν ισχυρή σύνδεση με το κοινωνικοπολιτικό πλαίσιο από το οποίο προέρχονται. Αυτό το σημείο εκκίνησης αποτελεί μια βάση για διατομεακές προσεγγίσεις και προβληματισμούς, καθώς πιστεύουν ότι οι τέχνες είναι βαθιά αλληλένδετες με τις κοινωνίες και την πολιτική.
Ο μακροπρόθεσμος στόχος τους ως ντουέτο είναι να μπορούν να παρουσιάζουν τη δουλειά τους σε διαφορετικά περιβάλλοντα, ανοίγοντας έτσι χώρους αντιπαράθεσης και συζήτησης γύρω από τις ‘πολιτιστικές αποσκευές’ και τις επιπτώσεις τους στον τρόπο με τον οποίο κάθε άτομο προσεγγίζει τη συλλογικότητα.

Reflection on artistic residency in Akropoditi Dance and Performing Arts Centre
Apolvere and Svesda: Arianna Bonacina, Martì Ramis, Santi Perez

From the 22nd of September 2025 to the 5th of October 2025 Apolvere Collective, in collaboration with sound artist Svesda (Santi Perez), had the pleasure of conducting an artistic residency in the wonderful space of Akropoditi Dance and Performing Arts Center, in Syros. The collective, cofunded and co-directed by Arianna Bonacina and Martì Ramis, is currently working on the development of the dance piece ‘Sull’uscio’, a choreographic work where dance, performance, music-sound composition, and text merge together to become a poetic-visual poem. The main thematic axes of this work are voice and resonance of an individual in the collectivity and liminal spaces, areas of transition and ambiguity where images and metaphors can carry the narrative. The residency in Akropoditi was the second encounter the group had after a brief residency of one week in April 2025 in Spain. The group was looking for a place that could allow them to fully dive in the research, far from the usual context where they live (Barcleona, Spain), where they could benefit from different inputs deriving from a new framework and establish new artistic connections. Akropoditi was the perfect match to their interests, especially considering that the residency took place in a very delicate moment of the creative process, where the three artists were busy with the establishment of a common artistic language between dance and sound and the research of suitable materials for the piece.

During their first week in the centre Apolvere and Svesda investigated different musical and rhythmical schemes combined with different movement qualities. This research was conducted through long improvisational sessions in order to understand what influences had one discipline on the other, and viceversa. By the end of the first week Apolvere offered an open level workshop to movement artists and amateurs of the island where they guided a two-hours session using the tools they had been working with. Sharing their practice was an enriching experience that allowed for exchanges and clarified their working principles to themselves as well as.
During the second week of residency the group delved deeper in the research started the previous week and began a process of reviewing and evaluating the materials emerged. The analysis and evaluation of these materials remained an open and active collaboration between Apolvere and Svesda, following a work- dynamic fluid and organic, from which choreographic landscapes and sonic textures blended and complemented each other. On the 4th of October they had a public informal sharing of their work, from which relevant and interesting feedbacks derived. Overall the group felt extremely welcomed and supported by the team of Akropoditi, they established enriching artistic connections as well as lovely friendships with the members of the company and they really look forward to possible future collaborations and encounters!

Περιγραφή του πρότζεκτ: 
Διαβάζοντας ένα αγαπημένο βιβλίο, από ένα κόμικ έως ένα λογοτεχνικό έργο, υπάρχει κάτι που μας συγκινεί και που μας δίνει την αίσθηση ότι «κάτι μας λέει». Πώς η αίσθηση αυτών που «κρατούν» οι λέξεις γίνεται χορός; Το συγκεκριμένο πρότζεκτ εξερευνά το πώς γεννιέται ο χορός μέσα από την εσωτερική κίνηση που μας προκαλούν τα κείμενα που διαβάζουμε.
Αντλώντας υλικό από κείμενα που με κινητοποιούν όπως: θεατρικά έργα, ποιήματα, επιστολές κλπ., θα καταγράψω λέξεις, φράσεις, καταστάσεις και συνθήκες που αναδύονται στο κάθε επιλεγμένο κείμενο. Μέσω της ανάλυσης, της πρακτικής και της έρευνας, τα στοιχεία αυτά θα φιλτραριστούν σε διάφορους, καταγεγραμμένους χορευτικούς χάρτες. Φαντάζομαι ένα σόλο όπου μια χορεύτρια, περνώντας από τον έναν χορευτικό κοσμοχάρτη στον άλλον, δημιουργεί αισθήσεις διαφορετικών καταστάσεων και συνθέτει μια πραγματικότητα, η οποία συνεχώς αλλάζει και μεταμορφώνεται, δημιουργώντας ένα ταξίδι προσωπικοτήτων, χώρων, χρόνων, οπτικών, προθέσεων και επιθυμιών.
Η ιδέα πυροδοτείται από την περιέργεια του πώς γεννιέται και του πώς νοηματοδοτείται ο χορός.

Ανοιχτή παρουσίαση
Σάββατο 31 Μαΐου 2025
21:00, Ελεύθερη Είσοδος

Εργαστήριο αυτοσχεδιασμού: Αντλώντας έμπνευση και στοιχεία από τα αγαπημένα μας βιβλία
Κυριακή 01 Ιουνίου 2025, 11:30 – 14:00
Ελεύθερη Συμμετοχή

Δήμητρα Μερτζάνη

Η Δήμητρα Μερτζάνη είναι απόφοιτος της Κρατικής Σχολής Ορχηστικής Τέχνης, υπότροφος του ICD-International Contemporary Dance Programme στο Τορίνο και τελειόφοιτη φοιτήτρια στο Τμήμα Θεατρικών Σπουδών του πανεπιστημίου Αθηνών. Εργάζεται ως επαγγελματίας χορεύτρια, βοηθός χορογράφου, κινησιολόγος σε θεατρικές παραστάσεις ενώ παράλληλα διδάσκει σύγχρονο χορό και αυτοσχεδιασμό. Έχει συνεργαστεί μεταξύ άλλων με χορογράφους όπως οι Τζένη Αργυρίου (Hotspot, Phrasis, Praxis, Συναντήσεις, Synthesis, Anonymo), Χρήστος Παπαδόπουλος (Ion, Opus), Kitt Johnson (Synthesis), Rootlessroot: Λίντα Καπετανέα και Josef Frucek (Stones and bones), Ερμίρα Γκόρο (Thirst, You, Dandelion), Hannes Langolf (Dandelion), Άρια Μπουμπάκη (I’m too sad to, Running Dry), Kat Valastur-Leon Eixenberger (Ajativada-black rain), Κατερίνα Δελακούρα (Re-volver), Κυριακή Νασιούλα και Αργύρης Αγγελή (Loom), Πατρίσια Απέργη (Cementary), Μίνα Ανανιάδου-Guest Project (Lakes,4 episodes and the Sunset), Χρήστος Ξυραφάκης-Άντυ Τζούμα (Exhibition at Palais de Tokyo) και Hellenic Dance Company (Open frontiers) δίνοντας παραστάσεις σε φεστιβάλ χορού στην Ελλάδα και το εξωτερικό. Έχει διδάξει τακτικά στην Επαγγελματική Σχολή Χορού Ακτίνα (2021,2022), σε διάφορα ανοιχτά στούντιο με την μορφή σεμιναρίων και έχει ολοκληρώσει την πρακτική της άσκηση σε σχολεία της Αθήνας πάνω στη θεατρική αγωγή. Από τον Δεκέμβριο του 2024 εργάζεται για το Διεθνές Φεστιβάλ Χορού Καλαμάτας ως συνεργάτιδα και βοηθός της καλλιτεχνικής διευθύντριας, Τζένης Αργυρίου.

Περιγραφή του πρότζεκτ: 
Πρόκειται για ένα καλλιτεχνικό πρότζεκτ που επιχειρεί να ενεργοποιήσει θραύσματα μνήμης από συλλογικές τελετουργίες, εστιάζοντας σε τελετουργίες κοινοτήτων που προσπαθούν να μην ενσωματωθουν στη μαζική και εμπορική κουλτούρα. Ιδιαίτερη έμφαση δίνεται στην ελληνική πανκ υποκουλτούρα και στα Αναστενάρια. Το ενδιαφέρον για τις συλλογικές τελετουργίες του περιθωρίου ξεκινά από την παρατήρηση ότι το κοινό εκστατικό αίσθημα και ο συντονισμός των σωμάτων μοιάζει σαν μια κοινοτική πρακτική αγάπης, καθώς υπάρχει μια «αποσιωποίηση» του ατομικού εγώ.
Θα διερευνηθούν τα όρια και οι δυνατότητες της σκηνικής ερμηνείας τέτοιων τελετουργιών, χωρίς να συμβιβάζεται ο μυσταγωγικός και «underground» χαρακτήρας τους. Σκοπός είναι η δημιουργία μιας κινητικής, χορογραφικής και ηχητικής «εργαλειοθήκης» μέσω της οποίας θα «συνομιλούν» οι εκστατικές τελετουργίες και οι πρακτικές των παραστατικών τεχνών.

Ανοιχτή παρουσίαση από την Στάλη Συμεών (πρόγραμμα Καλλιτεχνικής Κατοικίας 2024)
Σάββατο 07 Δεκεμβρίου 2024
20:30, Ελεύθερη Είσοδος

Εργαστήριο χορού και κινητικής έρευνας με τη Στάλη Συμεών
Κυριακή 08 Δεκεμβρίου 2024, 12:00-14:00
Ελεύθερη Συμμετοχή

Στάλη Συμεών

Η Στάλη Συμεών σπούδασε Πολιτική Επιστήμη στο ΕΚΠΑ και Χορό στην Ανώτερη Επαγγελματική Σχολή Χορού Ακτίνα. Συνέχισε με μεταπτυχιακές σπουδές στον Χορό στο Κονσερβατόριο της Αμβέρσας κάνοντας έρευνα για τις σωματικότητες και τις τελετουργίες του κοινωνικού περιθωρίου. Στο πλαίσιο της μεταπτυχιακής της έρευνας “This Dance Is Not For You” συμμετείχε στο residency 10 days to 10’, στα summer residencies στο P.A.R.T.S. και το DeSingel. Το έργο της Eternally Alive, με αφετηρία την ελληνική πανκ συμμετείχε στο Container Festival στη Θεσσαλονίκη και παρουσιάστηκε στην Αθήνα στο Μ54, και αργότερα μια δεύτερη εκδοχή του έργου Eternally Alive- A2 στο “On Bodies” Festival στη Στέγη Χορού της Λευκωσίας. Από το 2020 συνεργάζεται τους BPM theater group ως χορογράφος (Φεστιβάλ Ρεματιάς, Θέατρο Μαυρομιχάλη, ΠΛΥΦΑ, Θέατρο Νέου Κόσμου, Όλη η Ελλάδα ένας Πολιτισμός).
Τα τελευταία χρόνια έχει συμμετάσχει ως χορεύτρια-περφόρμερ σε δημιουργίες των: La Coja Dansa, Belleville collective, Κική Μπάκα, Βάσω Γιαννακοπούλου, Σάντρα Γρίμμα, Ελισάβετ Πλιακοστάθη, Χαρά Κασσαράκη, Βαρβάρα Μπαρδακά, Ανθή Δρίλια, Κουλουκούρη Σοφία. Διδάσκει χορό και γιόγκα.

Περιγραφή του πρότζεκτ: Range 
Η χρωματική παλέτα των σημερινών συνθετών δεν περιορίζεται πλέον στο κλασικό εύρος των μουσικών οργάνων. Κάθε είδους ήχοι μπορούν να μετατραπούν σε μουσική. Στη μουσική του, ο Έγκιντ Γιοχλ, συχνά δουλεύει με ήχους από το περιβάλλον και τη φύση συνδυάζοντάς τους με παραδοσιακά μουσικά όργανα. Κατά τη διάρκεια της διαμονής του στο Κέντρο Χορού και Παραστατικών Τεχνών Ακροποδητί, θα δημιουργήσει μια ηχητική εγκατάσταση με ηχογραφημένους ήχους και αναφορές από την Ελλάδα, αναμειγμένους με ήχους από τα βουνά της Αυστρίας και κλασικά μουσικά όργανα. Η τελική σύνθεση θα παρουσιαστεί στη λήξη του προγράμματος καλλιτεχνικής κατοικίας (artistic residency) και στη συνέχεια θα ενσωματωθεί σε ένα μουσικοθεατρικό έργο που θα παρουσιαστεί στο Ίνσμπρουκ τον Ιανουάριο του 2025.

Ανοιχτή παρουσίαση: Παρασκευή 18 Οκτωβρίου 2024
21:30, Ελεύθερη Είσοδος
Ανοιχτή παρουσίαση από τον συνθέτη Egid Joechl (πρόγραμμα Καλλιτεχνικής Κατοικίας 2024) και περφόρμανς από τους Δημήτρη Μπαλτά και Κωνσταντίνα Θανασούλη

Master class
Αντηχήσεις: Μια ματιά στους σύγχρονους ήχους μέσα στα ερείπια
Σάββατο 12 Οκτωβρίου, 11:00-12:00
Ελεύθερη Συμμετοχή

Έγκιντ Γιόχλ

Ο Έγκιντ Γιόχλ γεννήθηκε στις 7 Δεκεμβρίου 1982 στο Κίτσμπουελ της Αυστρίας, όπου και μεγάλωσε. Σπούδασε Σύνθεση και Θεωρία της Μουσικής στο Πανεπιστήμιο Τεχνών του Γκρατς (University of Music and Performing Arts Graz), και επιπλέον παρακολούθησε ποικίλα master classes. Συνθέτει έργα για διαφορετικά σύνολα και σε διαφορετικά στυλ με επίκεντρο τη σύγχρονη μουσική και τις ηχητικές εγκαταστάσεις. Το 2018 συμμετείχε στο καλλιτεχνικό πρόγραμμα Artists-in-Residence που πραγματοποιήθηκε στη Λισαβόνα και το 2019 συμμετείχε στο αντίστοιχο πρόγραμμα της Νέας Υόρκης. Το 2020 βραβεύτηκε με υποτροφία Σύνθεσης Hilde Zach από την πόλη του Ίνσμπρουκ, όπου πλέον ζει και εργάζεται.
www.joechl–music.com

Περιγραφή του πρότζεκτ:
Έχοντας ως αφετηρία το αμοιβαίο ενδιαφέρον μας για την παραδοσιακή μουσική και τους χορούς ανά τον ελλαδικό χώρο -ως μουσικός και ως χορεύτρια– διερωτόμαστε με ποιους τρόπους μπορούμε να συνδημιουργήσουμε επηρεασμένοι από αυτά.
Θέτοντας ως βάση συγκεκριμένους βηματισμούς, με διαφορετικά χαρακτηριστικά, μέτρα, ρυθμούς, καταγωγή, θα επιχειρήσουμε να μελετήσουμε την κινησιολογία που δημιουργείται καθώς και το πώς κινείται κάποιος ως μονάδα. Οι παραδοσιακοί χοροί του τόπου μας είναι εξ ορισμού ομαδικοί (ή δυαδικοί). Τι αλλάζει όταν τους αφαιρούμε ένα τόσο βασικό χαρακτηριστικό;
Επιλέγοντας και μελετώντας ορισμένες μουσικές με διαφορετικά ύφη, μέτρα, ενορχηστρώσεις, νοήματα, συμβολισμούς, θεματικές, θα επιχειρήσουμε να εξάγουμε στοιχεία από αυτές, να ηχογραφήσουμε ήχους συνδεδεμένους με αναμνήσεις σχετικές με την παράδοση και τη δική μας αντίληψη για αυτήν και τελικά να δημιουργήσουμε ένα πλαίσιο για ζωντανή εκτέλεση ηλεκτροακουστικής μουσικής.
Όλα αυτά σε μία εναρμονισμένη συνάντηση κίνησης και ήχου.

Ανοιχτή παρουσίαση: Σάββατο 25 Μαΐου 2024
21:30, Ελεύθερη Είσοδος

Co existing – Εργαστήριο αυτοσχεδιασμού για χορευτές/τριες και μουσικούς
Σάββατο 25 Μαΐου 2024, 17:00-19:00
Κυριακή 26 Μαΐου 2024, 12:00-15:00
Ελεύθερη Συμμετοχή

Όλγα Καλαντζή

Η Όλγα Καλαντζή γεννήθηκε στην Αθήνα το 1994. Σπούδασε στο Τμήμα Μηχανικών Σχεδίασης Προϊόντων και Συστημάτων στη Σύρο και στην Ανώτερη Επαγγελματική Σχολή Χορού Ακτίνα στην Αθήνα. Έχει συνεργαστεί με το Χοροθέατρο Ακροποδητί στη Σύρο και την SQx Dance Company στον Καναδά. Πλέον ζει στην Αθήνα και διδάσκει παραδοσιακούς χορούς μαζί με τον Ανδρέα Σεγδίτσα. Το 2023 παρουσίασε το σόλο της “WRAP: a pocket guide to never escaping yourself” στην Αθήνα, την Πορτογαλία και την Τουρκία και πήρε μέρος στα θεατρικά βραβεία κοινού All4fun στον κινηματογράφο Ideal. Eπίσης, συνεργάζεται με την Collective Spine για το έργο “La Soirée”.
Την ενδιαφέρουν οι πρακτικές, τα εργαλεία αυτοσχεδιασμού και η έρευνα στοιχείων όπως η ελευθερία και ο περιορισμός, η τάξη και η αταξία, η μορφή και η αμορφία, καθώς και η συνεργασία και η ενδυνάμωση της σύνδεσης μεταξύ των ανθρώπων.
https://vimeo.com/867540517

Φίλιππος Ράσκοβιτς

Ο Φίλιππος Ράσκοβιτς είναι συνθέτης και αυτοσχεδιαστής από την Αθήνα με έδρα το Βίλνιους. Το 2021 ολοκλήρωσε το οπτικοακουστικό έργο “Echo Chambers” σε συνεργασία με τον γλύπτη Δ. Ταμπάκη κατά τη διάρκεια του FUGA residency στην Ισπανία, και μαζί με την κολεκτίβα Un.Processed Realities δημιούργησαν το “POST EUROPEAN RAGEROOM TM”, μια performance και έκθεση που παρουσιάστηκε στο Centrum Berlin.
Ως αυτοσχεδιαστής, κυκλοφόρησε την πρώτη του δουλεία “gentle presence” το 2020 και έχει εμφανιστεί μεταξύ άλλων στο Fylkingen, State51 Studios, Flatterschafft – Basel, και Studium P. Είναι επίσης ιδρυτικό μέλος του “illucid trio” με τους K.Jusinskas και G.Steponavičius. Το 2019 συνίδρυσε την κολεκτίβα και το φεστιβάλ KRAMA, μια ανεξάρτητη πρωτοβουλία που έχει ως στόχο να παρουσιάσει μια νέα οπτική μέσα στην καλλιτεχνική σκηνή της Αθήνας.
www.raskovicfilippos.com

Περιγραφή του έργου:
Affirming our Identity: A co-creative project

This ambitious and transformative project is dedicated to delving into the profound experiences of LGBTQ+ artists, a queer composer, and the general public, as they navigate the intricate web of systemic discrimination based on their gender identity and sexual orientation. Through the careful curation of renowned artists from diverse backgrounds around the world, the project endeavors to foster connections among communities, providing valuable opportunities for engagement in high-quality dance. Moreover, this project seeks to shine a spotlight on positive role models, illuminating the path towards acceptance, understanding, and societal transformation. In close collaboration with relevant partners, the project will place utmost importance on cultivating engagement and support for the vibrant LGBTQIA+ community. With a strong focus on inclusivity, participants from the broader LGBT population will have the exceptional opportunity to embark on an empowering journey, exploring their boundless creativity through expertly guided movement improvisation sessions. These sessions, led by seasoned queer teachers, will serve as pivotal moments in shaping our collective creative process. Collaborating seamlessly with esteemed queer dance professionals, we will work tirelessly to craft an awe-inspiring evening-length performance piece. This performance will serve as a captivating tapestry, interwoven with the aspirations, dreams, and narratives of the participants, ultimately placing them at the very heart of our extraordinary artistic journey. The culmination of our collective efforts will not only bring crucial issues into the spotlight but also kindle a fervent desire for meaningful social change.
Guided by the expertise of our accomplished queer teachers, participants will embark on a transformative journey of self-discovery and expression. Through movement improvisation sessions, we will create a safe and supportive space where participants can freely explore their unique identities, transcending societal norms and embracing their authentic selves. These sessions will provide a profound opportunity to connect with the deepest facets of one’s being, tapping into emotions, experiences, and personal stories that shape the tapestry of their lives. As participants embark on this voyage of self-exploration, the dance floor will become a sacred space for catharsis, growth, and empowerment.
By joining forces with distinguished queer dance professionals, we will forge a collaborative environment that nurtures and celebrates artistic growth. Drawing from a rich tapestry of dance styles and techniques, participants will expand their movement vocabulary, unleashing their creative potential. As they learn and embody choreographic phrases that are specifically designed to explore LGBTQ+ themes and experiences, participants will forge a deep connection with the subject matter. This process of transformation will empower individuals to communicate their personal narratives through the language of dance, transcending boundaries and inspiring others with their resounding authenticity.
In addition to the transformative power of movement, this project will foster a culture of open dialogue, inspiring discussions, and collective reflection. Intimate group discussions, carefully facilitated by our experienced team, will provide a platform for participants to delve into the profound themes explored through improvisation and choreography. These discussions will invite participants to share their insights, questions, and lived experiences, cultivating a deep sense of empathy and understanding among the group. As diverse perspectives intertwine, new insights will emerge, challenging preconceived notions and fostering growth on both personal and societal levels.
The culmination of this extraordinary journey will be an enchanting and thought-provoking evening-length performance. Participants will have the opportunity to showcase their individual or collective creations, breathing life into their stories, struggles, and triumphs. Through a captivating tapestry of movement and artistic expression, the performance will serve as a profound medium for storytelling, illuminating the path towards social change. With each step, leap, and gesture, participants will inspire audiences to embrace diversity, challenge prejudice, and foster a more inclusive world.
This visionary project endeavours to transcend the boundaries of dance, delving deep into the experiences of LGBTQ+ artists, a queer composer, and the general public. By nurturing creativity, embracing diversity, and igniting conversations, we aim to break down the barriers of systemic discrimination. Through guided movement improvisation sessions, the acquisition of choreographic phrases, and empowering discussions, participants will embark on a transformative journey of self-expression, growth, and empowerment. With the support and collaboration of esteemed queer dance professionals, we will collectively weave an evening-length performance that breathes life into the participants’ aspirations, placing their narratives at the heart of our artistic journey. Ultimately, this project aims to illuminate crucial issues, inspire empathy, and ignite a fervent desire for social change, paving the way towards a more inclusive and accepting society for all.

Ανοιχτή παρουσίαση: Κυριακή 25 Φεβρουαρίου 2024
20:30, Ελεύθερη Είσοδος

Physicalising our identity through movement: Masterclass by Julian Nichols and Alex Henderson
Σάββατο 24 Φεβρουαρίου 2024, 17:00-20:00
Ελεύθερη Συμμετοχή

Julian Nichols

Julian Nichols, born and raised in Toronto, Ontario, is a talented dancer, choreographer, and activist. He has made significant contributions to the world of contemporary dance, both as a performer and as a promoter of gender inclusivity in the field. In 2017, Julian graduated Cum Laude with a Bachelor of Fine Arts degree from the Conservatory of Dance at Purchase College, SUNY. During his time at college, he had the opportunity to study abroad at Taipei National University of the Arts in Taipei, Taiwan, where he collaborated with renowned international artists, broadening his perspective on dance. Throughout his career, Julian has had the privilege of performing works by several esteemed choreographers, including Aszure Barton, Tom Weinberger, Jose Limón, Brian Brooks, Kyle Abraham, Darryl Tracy, Allen Kaeja, Rosalind Newman, Emily Molnar, Alexander Whitley, Carol Anderson, Fanny Ghoreyab, Hanna Kiel, Maxine Doyle, and Roy Assaf. His repertoire showcases his versatility and skill, allowing him to interpret a wide range of choreographic styles and concepts. Julian’s talent and versatility were also recognized when he had the opportunity to dance for Hanna Kiel’s Human Body Expression, demonstrating his artistic range in different collaborative endeavours. Additionally, Julian has made significant contributions to the Amina Khayyam Dance Company, showcasing his exceptional talent and dedication as a dancer. His involvement with Nimbus Dance Works as a company member and his guest artist work with The Limón Company further solidify his reputation within the dance community. Furthermore, Julian’s skills have been sought after in the realm of television, music videos, and commercials, where he has brought his artistry to the screen, captivating audiences with his performances. His ability to adapt and excel in diverse settings is a testament to his versatility and professionalism as a dancer. Whether on stage, in front of the camera, or collaborating with fellow artists, Julian continues to leave an indelible mark on the dance industry. In his quest for artistic growth, Julian has actively sought training opportunities at prestigious dance programs and workshops. He has participated in Springboard Danse Montreal, The School at Jacob’s Pillow, Momentum Montreal, and the Movement Invention Project. These experiences have allowed him to refine his technique, expand his creative horizons, and connect with dancers and choreographers from around the world. In recent years, Julian has shifted his focus towards composition and activism. He founded his own nonprofit organization called Bodies in Action ~ enGendering Contemporary Dance, with the aim of promoting equal representation of all gender identities in the field of contemporary dance. Through this initiative, Julian strives to challenge traditional norms and create a more inclusive and diverse dance community. Since its inception, Julian has created a short dance film, two evening-length works, and multiple duets, solos, and group pieces. Julian’s passion for dance extends beyond his own performances and activism. He has also shared his knowledge and expertise through teaching engagements. He has conducted company classes for prestigious dance companies such as the Rambert Dance Company, New Adventures, Corey Baker Dance in London, and NDC Wales in Cardiff. By teaching and mentoring aspiring dancers, Julian contributes to the growth and development of the next generation of dance artists. Currently based in London, UK, Julian continues to make a profound impact on the dance world through his performances, choreography, and advocacy work. His dedication to pushing boundaries, challenging stereotypes, and fostering inclusivity in contemporary dance establishes him as a dynamic and influential figure in the field.

Περιγραφή του έργου: The Boundless Food project

This new artistic project is about the complex and multifaceted relationship we have with food, our habits, the repetitive patterns we follow, and the boundaries that confine us. Through a series of paintings, this project seeks to challenge preconceived notions, question societal norms, and spark conversations about our culinary experiences.
Through the exploration of repetitive patterns and movements, “the boundless food project” will take shape on deep studies using my own body to understand and examine the cyclic nature of my own eating habits, raising questions about their impact on my overall well-being.
It will be also very interesting to work with other volunteers. I would like to document the whole process of research through dance and movement.
After this first step, I want to develop preparatory drawings of those gestures that govern our eating routines, from daily rituals to indulgences, and examines the boundaries – both physical and psychological – that surround our choices.
At the end of residency, I would love to present few paintings celebrating the pleasures of culinary exploration while shedding light on the potential pitfalls and limitations of our habits and societal expectations.
By intertwining elements of personal introspection with universal themes, this project endeavors to inspire viewers to break free from rigid patterns, embrace culinary diversity, and cultivate a more mindful and liberated approach to food.

Ανοιχτή παρουσίαση: Σάββατο 27 Ιανουαρίου 2024
20:30, Ελεύθερη Είσοδος

Workshop of visual arts and movement with Valentine Bouvet
Σάββατο 20 Ιανουαρίου 2024, 17:30-20:00
Ελεύθερη Συμμετοχή

Valentine Bouvet

Valentine BOUVET is a French artist and figurative painter born in 1994.
Her journey as an artist began during her childhood and later when she was experimenting with different art mediums. She first studies applied arts during high school where she developed a real interest in drawing and fashion design. Then, she decided to deepen both cursus and practice her art aside working for different brands as fashion designer.
During her 20’s, Valentine developed a deep passion for paintings and was particularly drawn to the expressive power of color. Her works delves into a wide range of costal and cultural issues, such as gender stereotypes, consumerism, beauty standards and the impact of social media. This year, she participates, for the second time, to Le Cercle de l’Art, a big community of women artists who work on sharing their artistic process and encouraging others to use art as a means of expression and social change.

Περιγραφή του έργου: 

The term “no man’s land” became historically significant in the First World War, when it referred to an unoccupied area between opposing armies. Interpreting the phrase ‘no man’s land’ in a metaphorical sense, I imagine a place where humans stand in their pur-est existence as animals striving to survive.
‘Songs of Absence’ is the first segment of my performance series ‘No Man’s Land’, which is based on this premise. It is based on the character Lavinia in Shakespeare’s ‘Titus An-dronicus’. Lavinia is the daughter of Titus, a general in the Roman army who is engaged in a cycle of revenge. ‘Songs of Absence’ is developed from the scene in which Lavinia has been raped, her tongue and hands were cut off by the assailants, and she is then hung from a dead tree trunk. She is stripped of her most fundamental human abilities to communicate. Yet, as she is physically pared down, her narrative and thematic im-portance escalates.
This seemingly paradoxical power of Lavinia’s silence heightens the sense of hearing. The primordial energy of the silence fills the absence of sound, like that of a wordless animal in no man’s land.

Ανοιχτή παρουσίαση: Κυριακή 05 Νοεμβρίου 2023
20:30, Ελεύθερη Είσοδος

Improvisation in the Void (movement workshop) 
Κυριακή 22 Οκτωβρίου 2023, 11:30-13:30
Ελεύθερη Συμμετοχή

Sound of Listening (sound/movement workshop) 
Σάββατο 04 Νοεμβρίου 2023, 17:30-19:30
Ελεύθερη Συμμετοχή

Soeine Bac

Soeine Bac is a Korean-born immigrant to Canada. She studied studied visual art, media art, and dance in Canada, and continued this study in the UK, focusing on intuitive intention in art. She surveyed unintentional forces that drive the artist to create artwork with a specific trajectory. To further study this improvisational intention, she turned to East Asian philosophy, which emphasizes removing one’s intentional mind to discover – instead of decide – choices in practicing life, and to unify mind and body.
Although she has been influenced by Western cultures, she pursues the natural world of matter in finding her sense of self, trying to maintain a holistic perspective beyond all her cultural backgrounds. Improvisation then became her method for art and for life. She regards art as a form of living, not merely as an institutional discipline; she aims to create a kind of art that is consistent with the way we experience the world.
The initiation of this process started when she directly encountered the ancient East Asian idea of Wu (doing without intention) behind ‘Nature art’ during her artist’s residency at YATOO in 2015. The art form had been developed by some local Korean artists in reaction against the domination of Western culture after the Korean war. While its Western parallels, such as Land art or Earth art, employ nature to fulfil the artist’s visions, the artists of Nature art allow themselves to be transformed in encounters with nature, while minimizing human intentions and thus interruptions. She took this state that requires the absence of human intention as the base of her practice of improvisation.
Since then, she has been studying Zen Buddhist yoga and drumming for meditation, and Aikido in order to better understand the state of Wu for improvisation. Along these lines, she has been researching intuitive consciousness in improvisation, and instant composition of movement.
Her work is often site-specific, and she pursues an aesthetic of the ordinary, seeking the spiritual aspect of art and how it is revealed in life.